Kunstverein in Hamburg
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vorausgegangene Ausstellung / previous
exhibition
14.08. - 12.09. 2010
Hank Schmidt in der Beek
Ein Akt, eine Treppe hinabzumsteigen
Hank Schmidt in der Beek (*1978, lebt in Berlin) präsentiert
in seiner ersten institutionellen Einzelausstellung im Kunstverein
Hamburg ca. 300 Collagen, für die er sich aus der visuellen
Bibliothek der Modernen Kunst bedient. Bekannte Motive der Kunstgeschichte
werden von ihm neu kombiniert und in völlig fremde Kontexte
überführt. Es ist ein spielerischer Umgang mit den
Klassikern der Modernen Kunst, der weniger eine Aneignung als
vielmehr eine Art Karikatur darstellt.
Er reduziert die bekannten Werke der modernen Kunstgeschichte
von Daniel Buren, Max Beckmann, Max Ernst, Man Ray oder Roy Lichtenstein
auf genau die Essenz, die ihre Arbeiten auszeichnet. Dabei geht
er mit diesen Bildern nicht behutsam um, er lässt sich von
ihrer Bedeutsamkeit nicht einschüchtern. Vielmehr gibt er
ihnen genau die Leichtigkeit und den Witz zurück, den sie
ursprünglich besaßen. Bevor sie zu Ikonen der Kunstgeschichte
aufgestiegen sind und ihnen diese historische Bedeutungslastigkeit
auferlegt wurde.
In der Serie "Ein Akt, eine Treppe hinabzusteigen"
verweist er eindeutig auf das kubistische Werk von Marcel Duchamp.
In der Version von Hank Schmidt in der Beek dagegen sieht man
das Künstlerduo Gilbert und George in mehreren Szenen eine
Treppe hinuntergehen. Der dazugehörige Vierzeiler eröffnet
ein imaginiertes Gespräch der beiden über die Widrigkeiten
des Treppensteigens. Und dieses natürlich nicht im geschliffenen
Englisch, sondern im lautmalerischen Bayrisch, in dem fast alle
Reime verfasst sind. Sie fungieren als Hintergrundinfo zu seinen
Collagen, sie ersetzen die fehlenden Titel und eröffnen
den Arbeiten eine weitere Assoziationsebene. Im Rahmen der Ausstellung
nun wird eine Auswahl dieser kombinierten "Collagen und
Gedichte" innerhalb eines Künstlerbuches erscheinen.
Hank Schmidt in der Beek studierte an der Hochschule für
Gestaltung, Offenbach und an der Academie des Beaux-Arts, Brüssel.
Im Jahr 2007 erhielt er das Schindler-Stipendium für Los
Angeles, 2009 wurde er mit dem Szpilman Award für ephemere
Kunst ausgezeichnet. Neben den Collagen entstehen aber auch immer
wieder Arbeiten, die sich durch ihre kollaborative Praxis auszeichnen.
18.09. - 10.10.. 2010
Peter Sempel
Unterhaltungspark des Underground
19.12. 2009 - 28.11. 2010
Stefan Marx
Seit März 2009 wird das gesamte Kunstvereinsgebäude
als Ausstellungsfläche genutzt. Die Trennung zwischen Zweck-
und Ausstellungsräumen wurde aufgelöst und auch das
Foyer ist nun integraler Bestandteil des Ausstellungsprogramms.
Jedes Jahr bespielt ein Künstler diesen gut 100 qm großen
Raum mit einer Einzelpräsentation. Diese ortspezifische
Ausstellung ist zentrales Herzstück des Kunstvereins: Hier
beginnt jeder Rundgang, hier hin müssen die BesucherInnen
wieder zurückkehren. Die jeweilige Präsentation vermittelt
zwischen den unterschiedlichen Ausstellungen im Ober- und Erdgeschoss
und begleitet und ergänzt das Programm über einen längeren
Zeitraum von fast einem Jahr. Begonnen wurde diese Reihe mit
der raumgreifenden Skulptur Sleeping Buddha von Daniel Milohnic,
die noch bis November 2009 zu sehen ist.
Für das Jahr 2010 wird der 1979 geborene und in Hamburg
lebende Stefan Marx eine installative Arbeit realisieren. Seiner
Ausstellung liegt ein wandelbares Prinzip zugrunde, das kontinuierliche
Veränderungen im Laufe des Jahres zulässt. Dieser dynamische
Ansatz korrespondiert einerseits mit dem Ort andererseits aber
und vor allem mit der künstlerischen Praxis von Stefan Marx.
Sein vorrangiges Medium ist die Zeichnung, die sich in ganz unterschiedlichen
Kontexten manifestieren kann. So entstehen neben klassischen
Blättern auch Plattencover, T-Shirts, Skateboards oder kleine
Magazine, die der Künstler in Eigenregie und mit einfachen
Mitteln produziert und herausgibt. Die Zeichnungen sind spontane
Skizzen seiner Beobachtungen des täglichen Lebens. Marx'
Arbeiten sind geprägt von einer doppelten Textur. Sie werden
getragen von einer dynamischen Unmittelbarkeit und schroffen
Ästhetik, die mit ironischen Untertönen unterlegt sind.
Signifikanterweise aber teilen sich die beiden nicht in unterschiedliche
Aussagen auf, sondern bleiben einander stets verbunden und bilden
eine Einheit. Die Zeichnungen, T-Shirts, Magazine und Aquarelle
sind Ausdruck von Erfahrungen und Momenten des Alltäglichen,
die mit einer kritischen Distanz bearbeitet werden, sich selbst
aber immer auch als Teil desselben Alltäglichen akzeptieren.
So hebt seine Praxis traditionelle Grenzen auf unterscheidet
nicht zwischen Straßen- und Hochkultur, freier und angewandter
Arbeit.
Für die Ausstellung im Kunstverein ist es bedeutsam,
kein starres Objekt zu schaffen, sondern einen flexiblen Raum,
der sich unterschiedlichen Bedürfnissen anpasst, und den
er mit einem monatlichen Veranstaltungsprogramm bespielt und
stets neu variiert. So wird es eine Wandzeichnung geben sowie
skulpturale Elemente, die einerseits Träger von Zeichnungen
sind, andererseits in unterschiedliche Funktionszusammenhänge
eingebunden werden können. Sie dienen zum Beispiel als Sitzmöbel
bei einem Gespräch oder Vortrag, als Bühne für
eine Performance, bieten einem Konzert eine Plattform oder können
als Skateboard-Rampe im Kunstverein sowie im öffentlichen
Raum aktiviert werden. Hinzu kommen eine Vielzahl an Zeichnungen
und Skizzenbüchern, die sich im Laufe der Ausstellung erneuern
werden. Einige werden verschwinden, andere sich verändern
und in wieder andere werden die verschiedenen Veranstaltungen
auf unterschiedliche Weise Eingang finden.
19.09. - 22.11. 2009
Ursula Mayer
Ellipse in Time
Ursula Mayers (*1970, lebt in London) Filme setzen sich immer
wieder mit Architektur und ihren sozialen Funktionen auseinander.
Räume treten bei Mayer nicht nur als Filmsettings oder locations
auf, sondern übernehmen die Rolle eines fiktiven Charakters
innerhalb der narrativen Erzählung. Sie treten scheinbar
gleichberechtigt neben die agierenden Personen. In der Regel
handelt es sich dabei um Schauspielerinnen, die bekannte Frauenfiguren
in detailgetreuen Posen und Kleidern nach Fotografien oder
Filmdokumenten verkörpern. Losgelöst von der
jeweiligen Zeitepoche und dem historischen Kontext, treten sie
miteinander in Dialog. Dabei bleibt ihr Verhältnis zueinander
indifferent und lässt unterschiedliche Interpretationen
zu.
So verhält es sich auch in der Arbeit Interiors (2006).
Ort der Handlung ist das vom Architekten Ernö Goldfinger
entworfene Wohnhaus 2 Willow Road in Hampstead, London, in dem
er mit seiner Frau Ursula Blackwell und seiner Familie bis zu
seinem Tod 1975 lebte. Das modernistische Gebäude beherbergt
neben selbst entworfenen Möbelstücken und dem Atelier
seiner Frau auch die umfangreiche Kunstsammlung mit Werken der
klassischen Moderne von Max Ernst bis Marcel Duchamp. Ende der
1930er Jahre war der Ort ein beliebter Treffpunkt für die
künstlerische Avantgarde. Vor dieser Kulisse bewegen sich
zwei Frauen unterschiedlichen Alters, deren Handlungen identisch
aufeinander folgen, ohne dass sie sich direkt begegnen. Sie durchschreiten
scheinbar in Gedanken versunken und fasziniert von der
sie umgebenden Kunst die markanten Räume des Hauses.
Obwohl die Gebrauchspuren des Hauses erkennbar sind, wirken die
zwei Frauen wie Statisten oder stille Betrachter einer für
sie befremdlichen Umgebung. Die Wendeltreppe, die die unterschiedlichen
Ebenen des Hauses miteinander verbindet, fungiert als Scharnier
zwischen dem realen Ausstellungsraum und dem Schauplatz der fiktiven
Geschichte des Filmes. Die wandgroße Projektion eröffnet
einen weiteren Handlungsraum, der die Grenzen zwischen Realität
und Fiktion verwischt. Verstärkt wird das Spiel mit Zeit
und Wirklichkeit durch den abwechselnden Gebrauch von Schwarzweiß-
und Farbaufnahmen. Eine zentrale Rolle spielt eine Skulptur von
Barbara Hepworth, die gleichzeitig als verbindendes und trennendes
Element zwischen den weiblichen Charakteren auftritt.
Der Stummfilm Memories of Mirrors / Theatrical personalities
after Mary Wigman and Madame d'Ora (2007/08) inszeniert Re-Enactments
bekannter Fotografien, die Madame d'Ora von der Dance Company
Mary Wigmans in den 1920er Jahren aufgenommen hat. Ihre Aufnahmen
beschreiben bildlich die Philosophie der Tänzerin und Choreografin
Mary Wigman, die einen eigenen Stil des Ausdrucktanzes entwickelte,
den sie aus der Unterordnung der Musik löste und der sich
durch den Einsatz von dramatischen und expressiven Gesten auszeichnete.
Die Fotografin Madame d'Ora (mit bürgerlichem Namen Dora
Kallmus) hat sich schon früh mit dem Thema Tanz beschäftigt
und neue Bildlösungen für die szenischen Arrangements
und reduzierten Posen gefunden. Im Mittelpunkt des Filmes von
Ursula Mayer steht eine Frau in einem Pailletten besetzten Kleid,
welches durch die Bewegung und das Spiel mit Licht und Schatten
zu einem funkelnden Gewand wird. Die anfängliche Selbstbetrachtung
in einem Spiegel verschiebt sich im Laufe der Choreografie hin
zu dem Publikum, das selbst Teil des tableau vivant wird, wenn
der Spiegel wie eine Blende einfallendes Licht reflektiert und
den Raum zwischen den Tänzerinnen, der Kamera, dem Projektor
und den BetrachterInnen kurzschließt.
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