Baukunst Galerie
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KünstlerInnen der Galerie
/ artists of the gallery
über die Baukunst
Galerie / about Baukunst Galerie
vorausgegangene Ausstellung / previous
exhibition
//english version below//
28.02. - 05.04. 2008
Gunter Frentzel
Verzeichnung
Gunter Frentzel
Ohne Titel, 2007
148 Vierkantstahlstäbe
Durchmesser 4,30 m
Die Baukunst Galerie eröffnet am Mittwoch, dem 27. Februar
2008 von 18.00 bis 21.00 Uhr eine große Einzelschau mit
Arbeiten des Schweizer Künstlers Gunter Frentzel. Dr. Christoph
Vögele, Direktor des Kunstmuseums Solothurn, wird eine Einführung
in sein künstlerisches uvre geben. Frentzels Plastiken waren
erstmals im Sommer 2000 in einer Gruppenausstellung und zuletzt
2003 in einer Solopräsentation in der Galerie zu sehen.
In der aktuellen Ausstellung werden neben Skulpturen für
den Innen- und Außenraum zum ersten Mal Filzstiftzeichnungen
auf Papier präsentiert, die eine konsequente Fortsetzung
des Linearischen im zweidimensionalen Bildraum darstellen.
Gunter Frentzel wurde 1935 in Berlin geboren, schloss 1956
sein Studium als Bildhauer an der Kunsthochschule Wiesbaden ab
und zog vier Jahre später in die Schweiz, wo er bis heute
lebt und arbeitet. Der mehrfache Kunstpreisträger des Kantons
Solothurn gehört zu den bekanntesten Bildhauern des Landes.
Seine Plastiken sind im Besitz internationaler Sammlungen und
prägen in zahlreichen Städten den öffentlichen
Raum. Unter anderem widmeten ihm 1987-88 das Centre Culturel
Suisse in Paris und 1990 das Kunstmuseum Solothurn und die Kunsthalle
Winterthur große Einzelausstellungen. 1990 waren seine
Werke außerdem im Musée d'Art Moderne et Contemporain
(MAMCO) in Genf und der Gulbenkian-Foundation in Lissabon zu
sehen. Zuletzt bespielte er 2006 in der Galerie der Stiftung
DKM in Duisburg eine 15 m lange Wandfläche mit einer monumentalen
Eisenskulptur. 2010 wird ihm das Kunstmuseum Bern eine umfassende
Retrospektive widmen.
In seinen Skulpturen verwendet Frentzel ausschließlich
industriell gefertigte Halbfabrikate wie Vierkantstäbe und
Platten aus Eisen und Chromstahl, die er bis 1997 bisweilen mit
Steinquadern kombinierte. Jegliche Form einer Künstlerhandschrift
wird vermieden; die Oberfläche der Stahlelemente bleibt
unbearbeitet. Es zählt die Gleichwertigkeit der Elemente
ohne kompositorische Hierarchie. Bestehend aus der Aneinanderreihung
identischer Einzelteile werden seine Skulpturen allein durch
die Spannung von Zug und Gegenzug in der Balance gehalten. Frentzel
benutzt keine fixierenden Vorrichtungen wie Schrauben, Klammern
oder Schweisspunkte. Sein Konstruktionsprinzip beruht auf dem
präzisen Anordnen, Schichten und Sich-Anlehnen der einzelnen
Elemente nach bestimmten Gesetzmäßigkeiten. So verschiebt
der Künstler beispielsweise die Vierkantstäbe der ausgestellten
spiralförmigen Arbeit (2007) auf dem kreisförmigem
Grundriss jeweils um den Durchmesser der Stäbe. Aus diesem
Konstruktionsprinzip ergeben sich somit zwingend Umfang und Abschluss
der jeweiligen Skulptur.
In der Zurücknahme der persönlichen Handschrift,
dem Einsatz industrieller Produkte und der Verwendung geometrischer
Strukturen in serieller Wiederholung steht Gunter Frentzel in
der Tradition des Minimalismus. Wenn er seine Skulpturen konstruiert,
geht es ihm jedoch weniger um eine Methode als um ein experimentelles,
intuitives Vorgehen. Der Künstler liebt das Risiko und schichtet
stets bis an die statische Grenze. Jeder weitere Stab würde
entweder abrutschen oder den Einsturz der Skulptur provozieren.
Durch die Vielzahl übereinander geschichteter und ineinander
verschobener Stangen entsteht eine komplexe Gitterstruktur, die
im Zusammenspiel mit den Überlagerungen aus Licht und Schatten
ein faszinierendes Linienspiel entfaltet. Durch die Multiplikation
von Einzelschritten gelingt es ihm, Statisches in Bewegung zu
setzten (Moiré-Effekt) und eine Dynamik zu erzeugen, die
den Betrachter im Raum immer wieder den Standort wechseln lässt,
um aus den unterschiedlichen Perspektiven stets neue Facetten
zu entdecken. Während sich die Einzelelemente hier zu einer
kompakten Fläche verdichten, finden sie dort ihre Eigenständigkeit
wieder. Es ist ein Spiel, das erst durch das geringe Volumen
der von Frentzel verwendeten Stahlelemente möglich wird.
Sie wirken nicht als Körper, sondern als Linien oder Schnitte
im Raum, deren Schatten stets konstitutives Element der Plastik
ist.
Der Ausstellungstitel Verzeichnung" spielt somit nicht
nur auf das optische Phänomen der Verzerrung an, sondern
hebt auch das Zeichnerische als wesentliches Charakteristikum
des dreidimensionalen Schaffens von Gunter Frentzel hervor. Somit
erscheint es nur konsequent, dass der Künstler seine experimentellen
Formuntersuchungen 2007 in Zeichnungen überführt, in
denen er den Bildraum mittels unprätentiöser Filzstiftlinien
strukturiert. Wie seine Skulpturen bestechen auch die Papierarbeiten
durch jene Konsequenz des Einfachen, in der Gunter Frentzel eine
atemberaubende Vielfalt an Formen und Variationen hervorbringt.
Eröffnung der Ausstellung am 27. Februar 2007 von 18
bis 21 Uhr
Es spricht Dr. Christoph Vögele, Direktor Kunstmuseum
Solothurn
28 february to 5 April 2008
You and your friends are cordially invited
to the opening of our exhibition
Gunter frentzel - verzeichnung
at the Baukunst Galerie
on wednesday, the 27th of february 2008
from 6 p.m. to 9 p.m.
Introduction: Dr. Christoph Vögele
director kunstmuseum Solothurn
The Baukunst Galerie opens on Wednesday, the 27th of February
2008 from 6 p.m. to 9 p.m. a great solo-exhibition with works
of the Swiss artist Gunter Frentzel. Dr. Christoph Vögele
will give an introduction in his artistic uvre. Frentzel's sculptures
were primarily exhibited at the gallery within a group-exhibition
in summer 2000 and lastly in a solo-exhibition in 2003. In the
upcoming exhibition not only indoor and outdoor sculptures but
also marker-drawings will be presented for the very first time.
They represent the consistent continuation of the linear in the
two-dimensional pictorial space.
Gunter Frentzel was born in Berlin in 1935, graduated as a
sculptor at the Kunsthochschule Wiesbaden in 1956 and moved to
Switzerland four years after, where he still lives and works
today. The multiple art prize laureate of the canton Solothurn
belongs to the most well-known sculptors of the country. His
sculptures are part of international collections and in several
cities they characterize the public space. Amongst others in
1987/88 the Centre Culturel Suisse in Paris and in 1990 the Kunstmuseum
Solothurn and the Kunsthalle Winterthur organized large solo-exhibitions.
In 1990 his works were also shown in the Musée d'Art Moderne
et Contemporain (MAMCO) in Genf and the Gulbenkian-Foundation
in Lissabon. He recently created a monumental iron sculpture
for a wall of 15 m length at the Galerie der Stiftung DKM in
Duisburg in 2006. In 2010 the Kunstmuseum Bern will stage a major
retrospective of his uvre.
Frentzel exclusively composes his sculptures of industrial
produced intermediate goods as four cornered shafts and plates
of iron and chrome steel until 1997 sometimes combined
with ashlar rocks. Thereby he avoided any kind of individual
handwriting; the surface of the steel elements remains raw. The
equality of the elements without any compositional hierarchy
is essential. His sculptures consist of an arrangement of identical
individual parts, which are balanced just by weight and counter
weight. Frentzel does not use any fixtures as scrubs, clips or
welt spots. His design principle relies on precise adjustment,
layering and leaning of the component parts according to certain
regularities. For instance the artist shifts the four cornered
shafts of the exhibited spiral work (2007) according to their
diameter on the circular outline of the work. Hence his design
principle consequentially determines the size and the closure
of the sculpture.
In terms of the cancellation of the artistic handwriting,
the use of industrial products and the serial repetition of geometrical
structures Gunter Frentzel is rooted in Minimal Art. Though he
creates his sculptures less by method than by experiments and
intuition. He loves the risk and always stratifies to the static
limit. Any further rod would loose the grip or provoke the collapse
of the sculpture. The great amount of superposed and interleaved
bars builds up a complex lattice, which unfolds in interaction
with light and shadow a fascinating interplay of the lines. By
the multiplication of single items he manages to set static into
motion (Moiré-effect) and creates a dynamic, which activates
the spectator to constantly change his point of view in order
to detect new aspects from different perspectives. Here the separate
items merge to a compact surface and there they recover their
discreteness. It is an interplay that relies on the slender volume
of the steel elements, which Frentzel chooses for his work. They
do not appear as massive bodies but as narrow lines or cuts in
space with their shadows as constituents of the sculpture.
The German word "Verzeichnung", which entitles the
exhibition, does not only allude to the optic phenomenon of distortion,
but also refers to the graphical aspect ("Zeichnung":
graphic / drawing) as a main characteristic of Gunter Frentzel's
three-dimensional artworks. Therefore it seems to be a chain
of reasoning that in 2007 the artist starts to extend his practical
analysis of form and space to drawings. Here he textures the
pictorial space with unpretentious lines of a marker. These works
on paper as well as his sculptures stand out due their striking
simplicity, by which Gunter Frentzel creates an amazing variety
of shapes and structures.
//english version below//
17.04. - 14.06. 2008
Phil Sims
The Interplay OF Color
Die Baukunst Galerie eröffnet am Mittwoch, dem 16. April
2008 von 18.00 bis 20.00 Uhr mit einer Einführung der Kuratorin
Julia Höner eine große Einzelausstellung mit Werken
des Amerikaners Phil Sims. Es ist die dritte Ausstellung des
Künstlers in der Galerie. Neben einer pointierten Auswahl
neuester Gemälde von 2008 werden auch keramische Objekte
aus der Werkgruppe der Tea Bowls" zu sehen sein, die in
einen spannungsvollen Dialog mit den Gemälden treten. Parallel
dazu zeigt das Museum Pfalzgalerie in Kaiserslautern vom 12.
April bis 13. Juli 2008 eine retrospektive Einzelausstellung
mit dem Titel Color in my Mind", die mit 164 Werken aus
unterschiedlichen Schaffensphasen neben Gemälden und Tea
Bowls auch großformatige Keramikskulpturen umfasst.
Phil Sims wurde 1940 in Richmond, Kalifornien (USA) geboren,
wo er zunächst die Technik der Keramik erlernte und lehrte
bevor er von 1964 bis 1965 am San Francisco Art Institute Malerei
studierte. 1977 zog er nach New York und wurde Gründungsmitglied
der informellen Gruppe der Radical Painters". Nach einem
einjährigen Aufenthalt in Santa Fé (New Mexico) bezog
er 2001 sein neues Atelier in Pennsylvania, wo er bis heute lebt
und arbeitet. Seine Gemälde sind in Besitz internationaler
Sammlungen und Museen und wurden bereits in zahlreichen Ausstellungen
in Europa und den USA präsentiert: Zuletzt zeigten 2006
die Städtische Galerie im Lenbachhaus in München und
das Westfälische Landesmuseum in Münster eine große
Einzelschau seines uvres. Bis zum 30. März dieses Jahres
waren seine Gemälde außerdem im Museum am Ostwall
in Dortmund zu sehen. Neben den genannten Museen sind Sims' Werke
unter anderem Bestandteil der Sammlungen des Erzbischöflichen
Diözesanmuseums Köln, der Kunsthalle Kiel, des Musée
d'Art Contemporain in Lyon (F), der Collections Panza di Biumo
in Varese (I), des Scripps Institute, La Jolla (Kalifornien,
USA) und der Malmö Konsthall (S).
Die besondere Qualität der Gemälde von Phil Sims
liegt in dem sinnlichen, emotionalen Erlebnis von Farbe. Damit
steht er in der Tradition der New York School der 50er und 60er
Jahre der Maler Rothko, Still und Newman. Von ihnen übernimmt
er das Primat der Farbe und das Prinzip des Allover". In
Abgrenzung zum Colorfield-Painting" entscheidet er sich
für die Gestaltung einer einzigen Farbfläche, die aber
keinesfalls als monochrom, sondern vielmehr als Portrait einer
Farbe' bezeichnet werden kann. Sie ist das Resultat eines dünnen,
lasierenden Auftrags zahlreicher, unterschiedlicher Farbschichten
mit einem breiten, weichen Pinsel, der Spuren der Handbewegung
hinterlässt. Diese gestische Struktur ist in den ausgestellten
Sea Paintings" (2008) ungewöhnlich expressiv. Die neun
Gemälde sind das Ergebnis einer intensiven Auseinandersetzung
mit dem Ölgemälde Walchensee bei Mondschein" (1920)
von Lovis Corinth, das sich in der Pfalzgalerie Kaiserslautern
befindet. Sie zeugen von der für Phil Sims charakteristischen
Arbeitsweise, sich mit seinen jeweiligen Ausstellungsorten und
der malerischen Tradition auseinander zu setzen.
Nach dem Vorbild alter Meister wie Tizian, Rembrandt oder
Veronese hat Phil Sims auch in den Navigator Paintings"
sorgfältig Pigmente und Bindemittel ausgewählt, die
einen Farbauftrag ermöglichen, der das Licht nicht bricht,
sondern in die Tiefe der Farbschichten dringen lässt. Auf
diese Weise gehen die gestisch modulierten, unterschiedlichen
Farbtöne der übereinander gelagerten Schichten eine
Verbindung ein, die sich einer gängigen begrifflichen Kategorisierung
von Farbe entzieht. Der Ausstellungstitel The Interplay of Color"
verweist auf dieses komplexe Zusammenspiel der Farbnuancen an
der Oberfläche der Gemälde. Die eine Farbe ist das
Resultat sensibel ausgeloteter Relationen, die je nach Standpunkt
oder Lichteinfall eine faszinierende Dynamik entfalten. Aus der
Simultaneität verschiedener, sich stetig verändernder
Wahrnehmungen entsteht ein intensives Farberlebnis, in dem sich
die Präsenz der Farbe entfaltet.
Die Tea Bowls bilden mit ihrer stumpfen, erdigen Farbgebung
einen Kontrapunkt zu den leuchtenden Gemälden. In einem
aufwendigen traditionellen Verfahren hat Phil Sims die handgroßen
Keramiken 5-6 Tage bei bis zu 1400°C in einem japanischen
Höhlenbrennofen (Anagama) gebrannt. Da dieser Ofen ausschließlich
mit Holz befeuert wird, entsteht durch die Verbindung von Ton
und Flugasche eine natürliche Ascheglasur. Bei näherer
Betrachtung fallen deutliche Parallelen zu den Gemälden
auf: auch die Keramiken haben eine vielschichtige opake Struktur
und weisen ein großes Spektrum abgetönter Farben auf.
Sie beinhalten ein tatsächliches Volumen, das mit der Tiefe
des durch die Farbschichten hervorscheinenden Malgrundes in den
Gemälden korrespondiert. Im spannungsvollen Dialog der beiden
Werkgruppen verlieren die Tea Bowls ihren funktionalen Objektcharakter,
die Gemälde aber werden zu paintings", zu Objekt gewordener
Malerei.
Eröffnung der Ausstellung am
MITTWOCH, DEM 16. APRIL 2008 VON 18.00 BIS 20.00 UHR
Es spricht JULIA HöNER, Kulturwissenschaftlerin und Kuratorin,
Köln
ART COLOGNE, 16.-20.4.08, HALLE 4.2, STAND B50-C51
VIENNAFAIR, 24.-27.4.08, HALLE A, STAND 901
17 APRIL to 14 JUNE 2008
You and your friends are cordially invited
to the opening of our exhibition
PHIL SIMS - THE INTERPLAY OF COLOR
at the Baukunst Galerie
on wednesday, the 16th of APRIL 2008
from 6 p.m. to 8 p.m.
Introduction: JULIA HÖNER
cultural scientist and curator, COLOGNE
On Wednesday, the 16th of April 2008 from 6 p.m. to 8 p.m.
the Baukunst Galerie opens a great solo-exhibition with works
of the American Phil Sims introduced by Julia Höner, cultural
scientist and curator. It is the artist's third exhibition at
the gallery. Beside a well directed selection of current paintings
from 2008 also ceramic objects of the "Tea Bowls"-series
will be shown, which raise a dynamic esthetic exchange with the
paintings. Parallel to this solo-show, from the 12th of April
to the 13th of July 2008, the Museum Pfalzgalerie in Kaiserslautern
will present the retrospective exhibition "Color in my Mind".
The exhibited 164 works from different creative periods include
not only paintings and Tea Bowls but also large sized ceramic
sculptures.
Phil Sims was born in 1940 in Richmond, California (USA),
where he first learned and taught ceramics before he studied
painting at the San Francisco Art Institute from 1964 to 1965.
In 1977 he moved to New York and became a charter member of the
informal group of the "Radical Painters". After a one
year working stay in Santa Fé (New Mexico) in 2001 he
moved into his new studio in Pennsylvania, where he still lives
and works today. His paintings have been acquired by international
collections and museums and were already presented in several
exhibitions in Europe and the USA: At last the Städtische
Galerie im Lenbachhaus in Munich and the Westfälisches Landesmuseum
in Münster showed an eminent solo-exhibition of his uvre
in 2006. Until the 30st of March this year his paintings were
also presented at the Museum am Ostwall in Dortmund. Amongst
others and beside the already mentioned museums Sims' works are
part of the collection of the Erzbischöfliches Diözesanmuseum
in Cologne, the Kunsthalle Kiel, the Musée d'Art Contemporain
in Lyon (F), the Collections Panza di Biumo in Varese (I), the
Scripps Institute in La Jolla (Kalifornien, USA) and the Malmö
Konsthall (S).
The outstanding quality of Phil Sims' paintings is due to
the sensual, emotional experience of color. Thus he follows the
tradition of the New York School from the 50s and 60s painters
as Rothko, Still and Newman. He adopts from them the primacy
of color and the principle of the "allover". In contrast
to the "Colorfield-Painting" he decides in favor of
structuring a single color. Though his paintings can not be referred
to as monochromes, but rather as 'portraits of color'. They are
the result of a fine, scumbling apply of several, different layers
of hues with a broaden soft brush, which leaves marks of the
moving hand on the canvas. In the exhibited "Sea Paintings"
(2008) this gestural structure is exceptional expressive. The
nine paintings are the outcome of an intensive examination of
the oil painting "Walchensee bei Mondschein" (1920)
of Lovis Corinth, which belongs to the Pfalzgalerie Kaiserslautern.
They are evidence of Phil Sims' characteristic profession to
deal with the places of issue on the one hand and the tradition
of painting on the other hand.
In his "Navigator Paintings" Phil Sims also models
the accurate selection of the pigments and binding agents on
Old Masters as Tizian, Rembrandt or Veronese. They enable him
to apply the color in a way, which does not brake the light,
but allows the permeation of the layers of hues. Thus the different
gestular structured shades of the superposed layers establish
a fusion, which defies any kind of prevalent conceptual classification
of color. The exhibition title "The Interplay of Color"
refers to this complex interaction of the different shades at
the surface of the painting. The single color is the fruit of
sensitive fathomed relations and evolves from the different angles
and incidences of light a fascinating vitality. The simultaneity
of the diverse, constantly changing perceptions creates an intense
experience of color, which unfolds its presence.
The Tea Bowls embody with their dull, earthy coloring a counterpoint
to the brighter paintings. Phil Sims fired the ceramics by an
extensive, traditional technique in a Japanese cave kiln (Anagama)
5-6 days long up to 1400°C. Since this kiln is solely fired
by wood, the mergence of the clay and the flue dust generates
a natural ash glaze. On closer inspection one can recognize remarkable
parallels to the paintings: the ceramics also feature a multi
layered opaque structure and a wide spectrum of gradated colors.
They contain an actual volume, which corresponds with the depth
of the first coat shining through the translucent layers of his
paintings. In the visually stunning juxtaposition of the both
groups of works the Tea Bowls loose the character of a functional
object and at the same time the 'pictures' become objectified
painting in the sense of painted color. They do not have color,
they are color.
ART COLOGNE, 16-20/04/08, HALL 4.2, BOOTH B50-C51
VIENNAFAIR, 24-27/04/08, HALL A, BOOTH 901
